American Music Festival es lo bueno, lo malo y lo largo

Los amantes de la música dedicados e intrépidos se mantuvieron ocupados el pasado fin de semana con el Festival de Música Estadounidense de la Sinfónica de Albany, que se llevó a cabo de jueves a domingo en lugares de Troy y Cohoes. El evento principal fue el sábado por la noche en el Troy Savings Bank Music Hall, que he revisado antes. También asistí a otros tres conciertos y aquí hay algunas observaciones en orden cronológico inverso.

El sábado por la tarde, Sandbox Percussion interpretó “Seven Pillars” de Andy Akiho, una inquietante obra de 80 minutos interpretada en el AI Center of Excellence, una antigua Logia Masónica ubicada en 19 Third St. en el centro de Troy. La mayor parte de los pies cuadrados del espacio de techo alto en el tercer piso se convirtió en el escenario para los cuatro percusionistas. Realizaron toda la sala de memoria en estaciones de instrumentos que se reubicaron periódicamente alrededor de la sala.

Ocasionalmente, durante sus solos, se veía a miembros individuales golpeando teclados de mazo (marimbas y vibráfonos, principalmente) que los otros músicos estaban haciendo rodar simultáneamente por el espacio. Es el mismo cuarteto que estrenó “Re(new)al” de Viet Cuong con Dogs of Desire en el festival de 2017. Con su inteligente coreografía, esta pieza demostró que los miembros de Sandbox saben cómo hacer el truco y tocar al mismo tiempo.

“Seven Pillars” también incluyó un esquema de iluminación de Michael Joseph McQuilken que los jugadores marcaron con simples comandos de computadora. Cuando el público tomó asiento, la parte posterior del escenario estaba llena de siete luces blancas verticales que parecían tubos fluorescentes. Durante la presentación, estas unidades independientes, cada una de aproximadamente 4 pies de alto, cambiaron de color y se reubicaron periódicamente entre los instrumentos para redefinir el espacio o destacar a los intérpretes individuales. A veces, las luces pulsaban con la música, y en un momento incluso adquirieron un efecto estroboscópico que le dio a una sección particularmente acelerada un aura cinematográfica. Mucho después de la mitad del procedimiento, algunas de las luces se colocaron horizontalmente, lo que creó una perspectiva completamente nueva. El espíritu del escultor Dan Flavin parecía sonreír.

Además del espacio y la decoración, la música era atractiva y repetitiva, pero aun así estaba llena de acentos poco convencionales y giros inesperados. La emocionante actuación fue limpia y precisa, a la vez sutil y valiente. No pudimos evitar reírnos y aplaudir un par de veces cuando, entre compás, un artista lanzó sus baquetas al aire y las atrapó en una fracción de segundo antes de continuar con la rápida partitura.

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En épocas anteriores, la música de percusión generalmente involucraba una descarga de accesorios extraños y pasajes sin forma de improvisación. El minimalismo ordenado de Steve Reich borró todo eso. Aunque no parece minimalista, la obra de once movimientos de Akiho, que duró ocho años, sigue la larga estela de Reich. La pieza fue finalista del último Premio Pulitzer de Música y la grabación recibió dos nominaciones al Grammy.

El viernes por la noche en Cohoes Music Hall, Dogs of Desire hizo su aparición anual con cinco nuevos trabajos. ¿Alguna vez he usado los términos “chuchos” o “mestizos” antes de cubrir este grupo? La mayoría de estos cachorros recién nacidos tenían alguna cualidad redentora, pero varios agotaron rápidamente su bienvenida.

El director musical David Alan Miller, generalmente tan positivo, usó dos veces la palabra “largo” para presentar ciertas canciones. Esto resultó ser tanto una advertencia para el público como una queja para los compositores. También dijo, no por primera vez, “Los compositores nunca me escuchan”.

Cada una de las nuevas piezas de Dogs recibirá una segunda presentación en uno de los próximos conciertos al aire libre de ASO en seis ciudades hasta el 3 de julio, una serie denominada TrailBlaze NY, que celebra el sendero de 750 millas del Empire State. Cada compositor fue invitado a inspirarse en uno de estos sitios. Al vincular estrechamente la nueva música con la historia regional, Miller continúa una tradición de ASO que comenzó hace más de 20 años con lo que se conoce como Capital Heritage Concerts. Primero vinieron nuevas obras inspiradas y realizadas frente a las prominentes ventanas de Tiffany en Troy. Luego fue una tarde de obras nuevas en un museo, un templo y un edificio del gobierno en Albany. El campo de batalla de Saratoga, los interiores del capitolio estatal y el arte del Empire State Plaza fueron el centro de atención en años posteriores.

Tal vez Miller necesite volver a temas más pequeños, tal vez algo como las esquinas de las calles o los frentes de las puertas. Cuando le das a jóvenes compositores que buscan temas como una ciudad entera, el río Hudson o el Empire State Trail, no debería sorprenderte que alcancen las estrellas y entreguen piezas de gran tamaño.

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Para su “Biking to Amsterdam, NY – Summer, 2022”, Natalie Draper invitó a la escritora Anita Sanchez a contribuir con un texto poético que se leyó detenidamente como introducción a cada uno de los cinco movimientos de la pieza. La escritura explicaba todas las cosas vívidas que la música flácida debería habernos dado por sí sola, como la sensación de aire fresco y sol, la tensión de pedalear una bicicleta y el ruido del ferrocarril. Además, se ha metido demasiado hecho histórico, lo que hace que las palabras y la música se sientan como la banda sonora de un video turístico en lugar de un concierto independiente.

“In Search of Standard Time” de Bobby Ge se basó en una observación de que la industria ferroviaria de Schenectady dio origen a la noción de zonas horarias y los horarios que ahora gobiernan nuestras vidas. Buscó enmarcar su pieza (otra en cinco movimientos) con el laissez-faire preindustrial hacia el tiempo y la relajación casual de estar en una ruta de senderismo. En el medio vendrían las redes y restricciones de la vida moderna. Si tan solo la música estuviera a la altura. La escritura era densa, ocupada y llena de actividad, pero en realidad no parecía pasar nada, excepto que tomó mucho tiempo.


Para “Empire Lines” de Loren Loiacono, solo se ejecutaron dos de los tres movimientos. Su concepto era representar puntos de referencia a lo largo del Hudson vistos mientras conducía Amtrak desde Nueva York. Loiacono no es novato en la ASO. Su escritura siempre es atractiva y no faltó material bueno aquí, demasiado para la ocasión. Era también una especie de concierto para Sandbox Percussion y se anunciaban con ritmos pesados ​​de yunque. La música de hombros anchos enmarcaba fragmentos de canciones folclóricas atractivos y ligeramente marcados en todas partes.

Otro compositor que regresa, Andre Myers, logró el equilibrio perfecto entre forma y sustancia en “The New Colossus”, un escenario del soneto de Emma Lazarus dedicado a la Estatua de la Libertad. En su nota del programa, Myers compartió sus pensamientos sobre el estado actual de la inmigración y cómo el Empire State Trail metafóricamente se extiende mucho más allá de las fronteras estatales. La música llevó estas preocupaciones a la ligera. Los cantantes Lucy Fitz Gibbon y Ruston Ropac, que por lo demás no fueron utilizados durante el programa, cantaron una versión directa del texto acompañada de una orquestación evocadora del cool jazz. Un pasaje característico durante un generoso interludio reunió trompeta sorda y cepillos en la caja.

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La velada terminó con el conjunto de arreglos de Jack Ferer de cinco canciones de rock suave que fueron escritas y cantadas por Katie Hammon de la banda con sede en Troy Bear Grass. El material de Hammon es reflexivo y agradable y tiene una voz hermosa. Tal vez alguien pensó que agregaría un toque de cultura pop a la velada, pero después de todo lo que sucedió, se sintió como una coda poco imaginativa. Hablando de música pop, ¿alguien más recuerda los días en que los conciertos de Dogs consistían principalmente en números cortos, irónicos y contundentes?

El Festival de Música Estadounidense comenzó el jueves por la noche en el Troy Music Hall con un recital de la pianista Gloria Cheng, quien estuvo en la ciudad para el estreno de John Williams el sábado por la noche. Cheng es un talento establecido con devoción por las obras contemporáneas. Sin embargo, en esta ocasión, no pudo ofrecer una actuación que tuviera un sentido de progresión u ofreciera distinciones claras. Todo sonaba igual. Eso es toda una hazaña teniendo en cuenta los muchos estilos musicales y lenguajes en los que ha navegado.

Cheng mostró solo una conexión suave y fugaz con la audiencia. Ella susurró lecciones sobre las piezas y asumió que los patrocinadores eran conocedores del mundo de la música contemporánea. También nos pidió que la ayudáramos a hacer un seguimiento de lo que había tocado poniendo marcas de verificación en nuestros programas, sin darnos cuenta de que estábamos sentados en la oscuridad y sin poder leer nada.

Había piezas de 11 compositores y uno de ellos, “Summer Piano” de David Lang, fue un estreno mundial. Los ciclos tonales suaves de Lang (un barril triple, nos dijo Cheng después) coincidían perfectamente con su sensibilidad suave. La música recordaba al compositor/productor de música electrónica ambiental Brian Eno.

Otro punto culminante de la tierna voz fueron las cuatro miniaturas de cuatro compositores diferentes que escribieron en memoria del difunto Steven Stucky. Jugadas sin pausa, eran respetuosas, nostálgicas y evocadoras.

Joseph Dalton es un escritor independiente con sede en Troy.

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